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miércoles, 29 de diciembre de 2010
Octava Sinfonía en fa mayor
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La Séptima Sinfonía en la mayor
La Séptima Sinfonía en la mayor (Op. 92) aparece en 1813 -casi un año después de su composición-. El compositor se empecinó en dirigirla en su estreno, con tragicómicos resultados. Pero la crítica reconoció una nueva genialidad de Beethoven. Indudablemente, el maestro alemán muestra con la Séptima su más grandioso concepto de la introducción («Poco sostenuto, pide la partitura). Richard Wagner, otro ferviente beethoveniano, calificó a la Séptima como la apoteosis de la danza» por su implacable ritmo dancístico y notable lirismo, particularmente hondo en su célebre segundo movimiento, Allegretto -que tuvo que ser repetido a petición del público en su estreno-, dominado por un ostinato de seis notas. El esquema del tercer movimiento exige, hecho inédito en una sinfonía, la repetición del trío, quedando la estructura A-B-A-B-A. El cuarto movimiento constituye (al igual que en la Sinfonía Júpiter de Mozart) el verdadero centro de gravedad de la obra. En suma, toda la Séptima es una obra de gran potencia: aún hoy hay expertos que la consideran como la mejor de sus sinfonías.
Sexta Sinfonía
Simultáneamente compuso la Sexta Sinfonía en fa mayor, conocida como Pastoral (Op. 68). Es difícil imaginar dos obras tan distintas: toda la fuerza y violencia de la Quinta se convierten en dulzura y lirismo en la Sexta, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la naturaleza. Es también su única sinfonía en 5 movimientos (todos con subtítulos: Escena junto al arroyo, Animada reunión de campesinos, Himno de los Pastores, etc.), tres de ellos encadenados (es decir, que Beethoven elimina las habituales pausas entre segmentos sinfónicos). Uno de los pasajes más famosos de la obra es el final del segundo movimiento, con la flauta, el oboe y el clarinete imitando respectivamente los cantos del ruiseñor, la codorniz y el cuco.
La Quinta Sinfonía
En 1808, Beethoven compone la Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban «la llamada del destino». El segundo movimiento es un hermoso tema con variaciones. El tercer movimiento, scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los instrumentos de viento-metal con una forma derivada de la «llamada del destino»; un pasaje tejido por los pizzicato de los instrumentos de cuerda se encadena sin pausa con el triunfal cuarto movimiento, allegro, y que posee una destacada coda. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio son quizá la firma más personal de Beethoven.
domingo, 5 de diciembre de 2010
Prueba de ADN
El estado uruguayo como así también entidades no gubernamentales uruguayas, propusieron realizar una prueba de ADN al cantante para verificar si era o no hijo biológico de Berthe Gardès y así establecer con exactitud su lugar de origen. Pero quien llevó a cabo la petición unilateralmente fue una institución gardeliana argentina, informándole a la jueza que "no existía controversia".[36]
En consecuencia, ésta, en su fallo, prohibió que se le realizara ese estudio a Gardel, alegando el origen francés del cantante, sosteniendo que: "en ambos juicios sucesorios (en Argentina y Uruguay) se ha resuelto que la única heredera fue la madre del reconocido cantante argentino (Gardel tuvo nacionalidad argentina), la señora Berta Gardès... ¿Acaso debe hacerse eco de versiones cuando la cuestión supuestamente atacada ya ha sido resuelta en sede judicial? Entiendo que la respuesta es negativa".[37]
El estado uruguayo a través de un ley de 1996 establece cada 24 de junio (fecha de la muerte del cantante) como el Día de Carlos Gardel, con festejos en la ciudad de Tacuarembócursos de guitarra bogota
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Berte Gardes
Sin embargo, las circunstancias de su nacimiento no pudieron ser totalmente ocultadas y numerosas infidencias fueron descorriendo el velo que escondía su verdadera historia. Esta especial situación hizo que el cantor, imposibilitado de revelar quienes eran sus verdaderos padres, pero sabedor a la vez de que muchas personas conocían los lazos que lo ligaban a la familia Escayola, fuera tantas veces evasivo o contradictorio al verse forzado a explicar la relación que lo unía a Berta Gardes. Los "uruguayistas" ponen en duda el testamento que se da a conocer cuando Gardel muere, ya que éste estableció un vínculo legal con Berta Gardes o Gardés (madre adoptiva según esta teoría) hasta ese momento inexistente. Maniobra legal para que Berthe Gardés pudiese heredarlo de acuerdo a las leyes argentinas de la época
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Origen Uruguayo
La teoría uruguayista sostiene que Carlos Gardel nació de una relación adúltera entre Carlos Escayola, jefe militar y político de Tacuarembó,[32] y María Lelia Oliva,[33] su cuñada de 13 años de edad. Las circunstancias que rodearon el alumbramiento, hacían imposible la inscripción legal de un nacimiento que transgredía las normas sociales, los principios religiosos y morales y hasta la legislación uruguaya. Su Código Civil, en aquel entonces, establecía que si el hijo era adulterino: “no podrá asentarse (en el libro de nacimientos del Registro Civil), aunque lo pidan los interesados, el nombre del padre o de la madre casados”. Carlos Gardel, alejado de su familia biológica y entregado a Berta Gardes para su crianza, se encontró indocumentado hasta que pudo regularizar su situación, el 8 de octubre de 1920, al obtener su documento legal expedido por el Cónsul de la República Oriental del Uruguay en la ciudad de Buenos Aires, República Argentina. Documento del que derivaron todos los demás documentos oficiales del cantor, incluyendo su nacionalización argentina
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miércoles, 24 de noviembre de 2010
Para Simon Cowell, Steven Tyler es el reemplazo perfecto
Simon Cowell expresó su felicidad el lunes por la noche en la entrega de los premios Emmy, que se llevaron a cabo en Nueva York. El productor dijo en broma a los medios "siempre dije que tenía que ser alguien que no fuera mejor parecido que yo y lo lograron".
Cowell aseguró que el cantante no tendrá problema para llenar sus zapatos, sin embargo, se abstuvo de decir si el rol de jurado en American Idol dañara la reputación del roquero. El tiempo
Un festival en constante evolución
Un festival en constante evolución
La quinta edición del Festival Internacional de Música de Cartagena amplió la programación de conciertos e incluso la cantidad de boletería, para responder a la demanda. Así lo garantizó su director, Stephen Prutsman, quien adelantó que gran parte de los recitales estarán dedicados a la obra de Bach, incluyendo su 'Cantata del café'. El Tiempo
Chelos
"Hay unos pocos indicios que apuntan a ello; este es probablemente el mejor ejemplo de los chelos que él fabricó (Amati) (...) luego, perteneció a un conde ruso", explica el chelista acerca de su historia.
"En ese entonces, no me imaginaba que luego tuviera la oportunidad de tocar en él, pero así son los misterios de la vida", apunta Hoffman.
Esta es la primera visita de Hoffman a Colombia. Sin embargo, ha sido solista en varias oportunidades junto a la Sinfónica de Venezuela y ha tenido otras presentaciones en Chile. El Tiempo
sábado, 18 de septiembre de 2010
Serranas
En su origen era un cante campero, folclore popular andaluz, manteniendo aún su aire premioso y campesino original,[2] tomando después un carácter de cante, cuando algunos cantaores del siglo XIX la aflamencaron. El más conocido de éstos fue El Sota, quien se las enseñó a Antonio Chacón.[3]
Actualmente, se interpretan acompañadas de guitarra y con compás de seguiriya, al igual que la liviana, a quien tradicionalmente estaba unida. La forma literaria es la de la seguidilla castellana, añadiéndose usualmente un trístico al mismo ritmo. Es un cante difícil, que exige facultades y una voz armoniosa, debiendo alargar y templar los tercios.academias de musica bogota
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El modelo arcaico de la seguiriya
El modelo arcaico de la seguiriya lo conocemos a partir de la llamada seguiriya del Planeta, la más antigua hasta el momento: "A la luna le pío, / la del alto cielo, /como le pío que me saque a mi pare / de onde está metío".
Estructuralmente se compone de cuatro versos heptasílabos excepto el tercero, endecasílabo, (6-6-11-6), cuyo modelo silábico está emparentado con las jarchas.Riman el segundo y el cuarto en consonante o asonante. La estructura en este caso no es estricta, prima el sentimiento sobre la forma, de modo que no es raro encontrarse con seguiriyas con otra métrica (7-7-11-7 y 8-5-11-6). Una forma menos extendida es la estructura 6-11-6, en la que rima el primero con el tercero, y se repite usualmente el segundo verso al cantar.
No obstante, dentro de su estructura común, existen diferentes especies de seguiriyas asociadas al estilo de un cantaor en particular que presentan cada una sus variantes estilísticas más o menos acusadas por la personalidad del intérprete. Así, en Cádiz se conoce el cante por seguiriyas de El Planeta, sencillo y sin ornamentaciones, en Triana, Frasco el Colorao, muy ornamentado, la Niña de los Peines, en Jerez, Manuel Molina, Chacón, etc.
Seguiriya
De seguidilla, por corrupción fonética. Esta corrupción deforma el término en diferentes variantes: seguiriya, seguirilla, siguiriya o siguerilla. La seguiriya es uno de los palos flamencos más antiguos de los que se tiene noticia y uno de los que conforman, junto a la soleá,la columna vertebral del cante flamenco.
Si bien su origen es incierto, los primeros testimonios datan de finales del siglo XVIII, se derivan de las tonás primitivas y se crean principalmente entre Cádiz y Sevilla, en los Puertos, Jerez y el barrio de Triana como focos principales.
Se trata de un cante trágico, sombrío y de carácter trágico que encierra los valores básicos de lo que hoy se conoce como cante puro y hondo. Las letras de sus coplas son trágicas, doloridas y reflejan el sufrimiento de las relaciones humanas, amor y muerte.Las modalidades más antiguas de seguiriyas se interpretaban sin acompañamiento musical, al igual que las tonás. Actualmente se acompaña de la guitarra y sus continuas matizaciones y cambios de tono en el cante la hacen uno de los palos más difíciles de interpretar. El baile por seguiriyas es ceremonioso, pausado y solemne, carece de ornamentación y fue incorporado por primera vez de la mano de Vicente Escudero en 1940.
jueves, 29 de julio de 2010
Música indígena precolombina
Muy poco se sabe con certeza sobre la música en el continente americano precolombino. Las antiguas civilizaciones mesoamericanas de los Mayas y los Aztecas tocaban instrumentos entre los cuales se incluyen el tlapitzalli (flauta), el teponatzli (tambor de madera), una especie de trompeta hecha de caracola, varios tipos de sonajas y escofinas y el huehuetl (timbal). Los primeros escritos de los colonizadores españoles indicaban que la música azteca era enteramente religiosa, y era ejecutada por músicos profesionales; algunos instrumentos eran considerados sagrados, y los errores en la ejecución de éstos era castigada por ser posiblemente una ofensa a los dioses. Algunas representaciones pictóricas indican que la ejecución en conjuntos era bastante corriente. Instrumentos similares se encuentran entre los Incas, quienes tenían como instrumentos una amplia variedad de ocarinas y zampoñas. También el kültrún mapuche es un intrumento precolombino; con el cual se toca el loncomeo (ritmo originalmente tehuelche adoptado por los mapuches-tehuelches); este ritmo es un ritmo folklórico de Argentina, sobre todo de la Patagonia argentina. wikipedia
Características y Géneros de la música latina
n su forma más generalizada, la música latina se corresponde a los bailes y músicas populares originarios de América latina o que simplemente son interpretadas en español.
Aceptando la definición popular, se puede decir que existen diversos estilos de música latina en el continente americano, En los cuales predomina en diferente grado elementos musicales europeos, africanos o indígenas. En el pasado, varios autores habían sugerido posiciones extremas, como que la música latina está privada de la influencia africana, o por el contrario, que es puramente africana y carece de elementos indígenas y europeos. Hoy en día, está generalmente aceptado que los ritmos latinos son sincréticos. Específicamente, las formas españolas de composición de canciones, los ritmos africanos y la armonía europea son partes importantes de la música tropical latina, así como de los géneros más modernos como el rock, el heavy metal, el punk, el hip hop, el jazz, el reggae y el R&B.
El batuque, influencia africana del samba, practicado en Brasil durante el siglo XIX, en una pintura de Johann Moritz Rugendas.
La décima, forma de componer canciones de origen español en donde hay diez líneas de ocho sílabas cada una, fue la base de muchos estilos de canciones latinoamericanas. La influencia africana es, asimismo, central en los ritmos latinos, y es la base de la rumba cubana, la bomba y la plena de Puerto Rico, la cumbia colombiana, el samba brasileña, la marimba ecuatoriana y de varios estilos peruanos como el festejo, el landó, el panalivio, el socabón, el son de los diablos o el toro mata. En Perú hay regiones donde la influencia musical africana se entremezcla con la gitana. Ejemplos de esto se hallan por todo el norte y centro del país en ritmos tales como la zamacueca, la marinera y la resbalosa. Uno de los mestizajes musicales más raros, la influencia afrogitana se nutre de la cultura andina, dando origen a ritmos como el tondero, la cumanana y el vals peruano. En Argentina, la influencia africana tuvo muchisimo que ver en la formación de ritmos tales como: la Chacarera, el Malambo, la Payada, el Tango, la Milonga (campera y urbana); y por supuesto, el Candombe argentino y sus variantes (el afroporteño, el afrolitoraleño, etc.).
Otros elementos musicales africanos son más prevalentes en la música religiosa de tradiciones sincréticas y multifacéticas, como el candomblé brasileño y la santería dominicana y cubana.
La síncopa, técnica musical en donde se prolonga el sonido de una nota de un compás, es otra característica de la música latinoamericana. El énfasis africano en el ritmo también se heredó, y se expresa mediante la primacía dada a los instrumentos de percusión (que en conjunto se conocen como "percusión latina"). El estilo de llamada y respuesta es común en África, y también está presente en la música de América Latina. wikipedia
Ambigüedad de la expresión
Es un neologismo(edad medio moderna del cual se manifiesta una expresión de arte aborigen del siglo XVII-XIX, de origen angloamericano que está en directa relación con el uso del termino Latino en los Estados Unidos, y que hace creer que se trata de un solo género musical que engloba a todos los países al sur de los Estados Unidos y que incluiría a la vez tanto músicas indígenas, músicas criollas, músicas afroamericanas, así como música moderna y pop rockinterpretada por cantantes originarios de estos países, pero también, aunque vagamente, el concepto de música latina también se hace extensivo a la música de España y ocasionalmente a la de Italia. Si se emplea en términos estrictos, abarcara a la música de los países latinos de Europa, y en una interpretación forzada a la de los países de África y Asia ex-colonias de España, Portugal y Francia
Para algunos, la expresión “música latina” designa por igual a las músicas andinas (que son en su mayoría de origen indígena y la los géneros caribeños que estrictamente hablando no son latinos sino que tiene un gran componente africano, tal como la música jamaiquina, la música de Trinidad (Calypso/soca), y la música creole de Haití, Guadalupe o de la Martinica.
Para los medios de comunicación y la mayoría del publico, la “música latina” es esencialmente la interpretada por los cantantes famosos en español, aunque también puede incluir otros géneros, así pues es normal encontrar en las tiendas de música que se ofrezca como música latina cualquier genero sin mayor diferenciación.
El termino música latinoamericana es usado en medios musicales europeos para referirse a la Música clásica que fue compuesta en países de América Latina durante el periodo colonial (s. XVII-XIX) wikipedia
Música latina
El termino 'música latinoamericana' ó su apócope música latina se emplea popularmente para englobar diferentes ritmos y músicas de América Latina y del Caribe hispanohablante.
Este término se empezó a utilizar partir de los años 50 en los EE. UU.. para referirse a los ritmos musicales típicos de America Latina, buscando una diferenciación entre la los estilos de origen afroamericano de los afrolatinoamericanos. En este sentido, se considera que hacen parte de la música latina, un gran número de géneros: merengue, bachata, salsa, rumba, bossa nova, la cumbia, el flamenco, el tango, el fado, la milonga, el rock latino; desde la música norteña de México a la sofisticada habanera de Cuba, desde las sinfonías de Heitor Villa-Lobos a los sencillos sonidos de la quena. El único elemento en común que tienen estas músicas es el uso de los idiomas latinos, predominantemente el español y el portugués de Brasil, aunque en este último país se prefiere el termino música de América Latina. wikipedia
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